Educación de la música

La educación de la música es un campo de estudio asociado con la enseñanza y el aprendizaje de la música. Menciona todas las esferas del aprendizaje, incluso la esfera psicomotor (el desarrollo de habilidades), la esfera cognoscitiva (la adquisición de conocimiento), y, de modos particulares y significativos, la esfera afectiva, incluso apreciación de la música y sensibilidad. La incorporación de la formación de la música del preescolar a la educación postsecundaria es común en la mayor parte de naciones porque la participación en la música se considera un componente fundamental de cultura humana y comportamiento.

La música, como la lengua, es un logro que nos distingue como la gente.

Descripción

En Escuelas primarias, los niños a menudo aprenden a tocar instrumentos como teclados o registradores, cantar en pequeños coros y aprender sobre los elementos del sonido musical y la historia de la música. Aunque la educación de la música en muchas naciones haya subrayado tradicionalmente que música clásica Occidental, en educadores de la música de décadas recientes tienden a incorporar la aplicación y la historia de la música no occidental para dar una experiencia musical bien doblada y enseñar multiculturalism y entendimiento internacional. En escuelas primarias y secundarias, los estudiantes a menudo pueden tener la oportunidad de funcionar en algún tipo del conjunto musical, como un coro, orquesta o grupo escolar: grupo del concierto, grupo que marcha u orquesta de jazz. En algunas escuelas secundarias, las clases de la música adicionales también pueden estar disponibles. En el instituto de enseñanza secundaria o su equivalente, la música por lo general sigue siendo una parte requerida del plan de estudios.

Al nivel universitario, los estudiantes en la mayor parte de artes y programas de humanidad pueden recibir el crédito académico de tomar cursos de la música, que típicamente toman la forma de un curso de la descripción de la historia de la música o un curso de la apreciación de la música que se concentra en escuchar la música y aprender sobre estilos musicales diferentes. Además, la mayor parte de universidades norteamericanas y europeas tienen algún tipo del conjunto de la música en el cual los estudiantes de varios campos del estudio pueden participar como un coro, grupo del concierto, grupo que marcha u orquesta. Muchas universidades también ofrecen programas de titulación en el campo de la educación de la música, permitiendo sus estudiantes hacerse educadores certificados de conjuntos de la escuela secundaria y primarios así como clases de la música del principiante. Los grados avanzados pueden llevar al empleo universitario. Estos grados vienen con la finalización de clases de la técnica variadas, clases particulares, numerosos conjuntos, y en profundidad observaciones de educadores en el área. Los departamentos de educación de la música en universidades norteamericanas y europeas también a menudo apoyan la investigación interdisciplinaria en tales áreas como psicología de la música, historiografía de la educación de la música, etnomusicología educativa, sociomusicology, y filosofía de la educación.

El estudio de la música seria Occidental es cada vez más común en la educación de la música fuera de Norteamérica y Europa, incluso naciones asiáticas como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades Occidentales y los colegios ensanchan su plan de estudios para incluir la música de culturas no occidentales, como la música de África o Bali (p.ej. La música de Gamelan), así como hasta música de rock (ver la pedagogía de la música popular).

La educación de la música también ocurre en aprendizaje individualizado, de toda la vida y contextos de la comunidad. Tanto los músicos aficionados como profesionales típicamente toman lecciones de la música, sesiones privadas cortas con un profesor individual. Los músicos aficionados típicamente toman lecciones para aprender rudimentos musicales y principiante - al nivel intermedio técnicas musicales.

Metodologías educacionales

Mientras las estrategias educacionales son ligadas por el profesor de la música y el plan de estudios de la música en su área, muchos profesores confían pesadamente en una de muchas metodologías educacionales que surgieron en generaciones recientes y se desarrollaron rápidamente durante la mitad última del 20mo siglo:

Métodos de la educación de la música internacionales principales

Método de Dalcroze

El método de Dalcroze fue desarrollado a principios del 20mo siglo por el músico suizo y el educador Émile Jaques-Dalcroze. El método se divide en tres conceptos fundamentales - el uso de solfege, improvisación y euritmia. A veces referido como "gimnasia rítmica", la euritmia enseña conceptos de ritmo, estructura y expresión musical usando el movimiento, y es el concepto por el cual Dalcroze mejor se conoce. Se concentra en permitir que el estudiante gane la conciencia física y la experiencia de la música a través de la formación que ocurre a través de todos los sentidos, en particular kinesthetic. Según el método de Dalcroze, la música es la lengua fundamental del cerebro humano y por lo tanto profundamente relacionado con cuales los seres humanos son.

Método de Kodály

Zoltán Kodály (1882–1967) era un educador de la música húngaro prominente y compositor que acentuó las ventajas de instrucción física y respuesta a la música. Aunque no realmente un método educativo, sus enseñanzas residan dentro de una diversión, el marco educativo añadió un asimiento sólido de la nota de la música y la teoría de la música básica en varias formas verbales y escritas. El objetivo primario de Kodály era infundir un amor de toda la vida de la música en sus estudiantes y sintió que era el deber de la escuela del niño de proporcionar este elemento vital de la educación. Un poco de la marca registrada de Kodály métodos docentes donde caninclude el uso de solfege da signos, nota de la taquigrafía musical (nota del palo), y ritmo solmization (verbalization). Aunque la mayor parte de países hayan usado correctamente sus propias tradiciones de la música folklórica para construir su propia secuencia de la instrucción, América principalmente usa la secuencia húngara aunque la música folklórica húngara sea completamente diferente del americano.

El trabajo de Katinka S. Daniel trajo las ideas de Kodaly de la vanguardia de la educación de la música en los Estados Unidos. Daniel introdujo su plan de estudios en la Conferencia de Kodaly Internacional en 1973 y en los años que siguió trabajos publicados para educadores de la música que combinan canciones tradicionales húngaras con canciones tradicionales americanas y música clásica occidental. La Sra. Daniel estuvo de acuerdo con Kodaly sobre la propiedad de usar canciones de luces simples de la propia cultura de los estudiantes como la base para su educación de la música pero era firme que la secuencia en la cual los modelos tonales se enseñan debería comenzar con el tercero menor inclinado o “sol-mi”, modelo ya que es el intervalo más natural y más simple para todos los niños para cantar en la melodía. Katina Daniel hizo la tarea de adaptar el trabajo de Kodaly a la educación de la música americana menos desalentadora para educadores americanos.

Orff Schulwerk

Carl Orff era un compositor alemán prominente. Orff Schulwerk se considera un "enfoque" a la educación de la música. Comienza con las capacidades innatas de un estudiante de tomar parte en formas rudimentarias de la música, usando ritmos básicos y melodías. Orff considera el cuerpo entero un instrumento de percusión y los estudiantes se llevan a desarrollar sus capacidades de la música en un camino que iguala el desarrollo de la música occidental. El enfoque anima la improvisación y desalienta presiones adultas y taladradora mecánica, criando el autodescubrimiento estudiantil. Carl Orff desarrolló un grupo especial de instrumentos, incluso modificaciones del carillón, xilófono, metallophone, tambor y otros instrumentos de percusión para acomodar los requisitos de los cursos de Schulwerk.

Método de Suzuki

El método de Suzuki fue desarrollado por Shinichi Suzuki en Japón poco después de la Segunda Guerra Mundial, y usa la educación de la música para enriquecer las vidas y personaje moral de sus estudiantes. El movimiento se apoya en la doble premisa que "todos los niños se puedan bien educar" en la música, y que la enseñanza a tocar la música a un alto nivel también implica aprender ciertos rasgos de carácter o virtudes que hacen el alma de una persona más hermosa. El método primario para conseguir esto se centra alrededor de la creación del mismo ambiente para aprender la música que una persona tiene para aprender su lengua materna. Este ambiente 'ideal' incluye amor, ejemplos de alta calidad, alabanza, formación de memoria y repetición y un horario puesto por la preparación del desarrollo del estudiante para aprender una técnica particular. Mientras el Método de Suzuki es completamente popular internacionalmente, dentro de Japón su influencia es menos significativa que el Método Yamaha, fundado por Genichi Kawakami conjuntamente con la Fundación de la Música Yamaha.

Otros métodos notables

Además de los cinco métodos internacionales principales descritos encima, otros enfoques han sido influyentes. Los métodos menos conocidos se describen abajo:

Teoría del aprendizaje de la música de Gordon

Este método está basado en un organismo de investigación extenso y prueba sobre el terreno por Edwin E. Gordon y otros. La Teoría del aprendizaje de la música provee al profesor de la música un método completo a la maestría musical docente a través de audiation, el término de Gordon para oír la música en la mente con el entendimiento. Los métodos docentes ayudan a profesores de la música a establecer objetivos curriculares secuenciales de acuerdo con sus propios estilos docentes y creencia.

Pedagogía de la música mundial

El crecimiento de diversidad cultural dentro de poblaciones de la edad escolar incitó a educadores de la música a partir de los años 1960 adelante a diversificar el contenido del plan de estudios de la música y trabajar con ethnomusicologists y algunos artistas-músicos del mundo en el establecimiento de prácticas educacionales relevantes para las tradiciones musicales. 'La pedagogía de la música mundial' fue acuñada por Patricia Shehan Campbell para describir el contenido de la música mundial y la práctica en programas de la música de la escuela secundaria y primarios. Los pioneros del movimiento, sobre todo Barbara Reeder Lundquist y Guillermo M. Anderson, influyeron en una segunda generación de educadores de la música (incluso Bryan J. Burton, Mary Goetze, Ellen McCullough-Brabson y Mary Shamrock) para diseñar y entregar modelos curriculares a profesores de la música de varios niveles y especializaciones.

Solfege conversacional

Sacando la influencia tanto de metodología de Kodály como de Teoría del aprendizaje de la Música de Gordon, Solfege Conversacional fue desarrollado por el doctor John M. Feierabend, presidente de la educación de la música en la Escuela Hartt en la universidad de Hartford. La filosofía de este método debe ver la música como un arte auditivo con una literatura plan de estudios basado. La secuencia de esta metodología implica un 12 proceso del paso para enseñar el alfabetismo de la música. Los pasos incluyen ritmo y modelos tonales y descifre de los modelos usando sílabas y nota. A diferencia del método de Kodály tradicional, este método sigue las instrucciones actuales de Kodály y usa una secuencia basada en canciones tradicionales americanas en vez de usar la secuencia que se usa en Hungría basada en canciones tradicionales húngaras.

Método del Carabo-cono

Este enfoque de la infancia temprana a veces se refería como al Enfoque Sensorial y de motor a la Música fue desarrollado por la violinista Madeleine Carabo-Cone. Este enfoque implica usar puntales, los trajes y los juguetes para niños para aprender conceptos musicales básicos del personal, notan la duración y el teclado del piano. El ambiente concreto del aula especialmente planeada permite que el niño aprenda los fundamentos de la música explorando a través del toque.

MMCP

El Proyecto del Plan de estudios de la Música Manhattanville se desarrolló en 1965 y es un método alternativo en la formación de actitudes positivas hacia la educación de la música. Este enfoque creativo se centra alrededor del estudiante que es el músico e implicado en el proceso del descubrimiento. El profesor da la libertad estudiantil de crear, realizar, improvisar, conducir, investigar, e investigar facetas diferentes de la música en un plan de estudios espiral.

Método de O'Connor

El 16 de noviembre de 2009, Mark O'Connor soltó los libros 1 y 2 de su Método de O'Connor de 10 libros - Una Nueva Escuela americana de la Cuerda que Juega para profesores de la cuerda y estudiantes del violín diseñado para "dirigir a estudiantes gradualmente a través del desarrollo de técnicas pedagógicas y musicales necesarias para hacerse un músico muy competente, bien doblado a través de una sucesión con cuidado planeada de piezas."

Las piezas cubren una amplia gama de géneros e incluyen: melodías populares como "Gracia Asombrosa," "Cielito Lindo" y "Galones de Búfalo," melodías Clásicas americanas como "Hoedown de Copland," dos temas de la Nueva Sinfonía mundial de Dvorak y "el Vals de Appalachia de O'Connor." La serie también contiene ensayos cortos sobre temas incluso violinistas americanos famosos como Thomas Jefferson y Davy Crockett, la historia de gitanos y Mariachi y varios bailes. Las sesiones pedagógicas basadas en el método ocurren alrededor del país.

Historia de educación de la música en los Estados Unidos

El 18vo siglo

Después de la predicación de Thomas Symmes Reverendo, la primera escuela de canto se creó en 1717 en Boston, Massachusetts con los objetivos de mejorar el canto y la música que lee en la iglesia. Estas escuelas de canto gradualmente se extienden en todas partes de las colonias. John Tufts reverendo publicó Una Introducción al Canto de Melodías del Salmo Usando la Nota No tradicional que se considera como el primer libro de texto de la música en las colonias. Entre 1700 a 1820, más de 375 libros de la melodía serían publicados por tales autores como Samuel Holyoke, Francis Hopkinson, Guillermo Billings y Oliver Holden.

La música comenzó a extenderse como un sujeto curricular en otros distritos escolares. Pronto después de que la música se amplió a todos los niveles de estudios y la enseñanza de la lectura de la música se mejoró hasta que el plan de estudios de la música creciera para incluir varias actividades además de la lectura de la música. Hacia el final de 1864 la música de la escuela pública se había extendido en todo el país.

El 19no siglo

En 1832, Lowell Mason y George Webb formó la Academia de música de Boston con los objetivos de enseñar canto y teoría así como métodos de enseñar la música. Mason publicó a su Manuel de la Instrucción en 1834 que estaban basados en los trabajos de la educación de la música del Sistema Pestalozzian de la Educación fundada por el educador suizo Johann Heinrich Pestalozzi. Esta guía gradualmente se acostumbró por muchos maestros escolares cantantes. De 1837-1838, el Comité de la Escuela de Boston permitió a Lowell a Mason para enseñar la música en la Escuela de Hawes como una demostración. Esto se considera como la primera vez que la educación de la música se introdujo en escuelas públicas en los Estados Unidos. En 1838 el Comité de la Escuela de Boston aprobó la inclusión de la música en el plan de estudios y Lowell Mason se hizo el primer supervisor reconocido de la música elemental. En años posteriores Luther Whiting Mason se hizo el Supervisor de la Música en Boston y extendió la educación de la música en todos los niveles de la educación pública (gramática, escuela secundaria y primaria). Durante el medio del 19no siglo, Boston se hizo el modelo al cual muchas otras ciudades a través de los Estados Unidos incluidos y formó sus programas de educación de la música de la escuela pública. La metodología de la música para profesores como un curso se introdujo primero en la Escuela normal. El concepto de profesores del aula en una escuela que enseñó la música bajo la dirección de un supervisor de la música era el modelo estándar para la educación de la música de la escuela pública durante este siglo. (También ver: educación de la música en los Estados Unidos)

A principios del 20mo siglo

En los Estados Unidos, los colegios docentes con programas de titulación de cuatro años se desarrollaron de las Escuelas normales y música incluida. El Invernadero de Oberlin primero ofreció al Soltero del nivel de la Educación de la Música. Osbourne G. McCarthy y el educador de la música americano introdujeron detalles para estudiar la música para el crédito en la Escuela secundaria Chelsea. Los acontecimientos notables en la historia de la educación de la música a principios del 20mo siglo también incluyen:

Medio del 20mo siglo a siglo veintiuno

La mesa siguiente ilustra un poco de desarrollo notable a partir de este período:

Los ofrecimientos de curso de la música y hasta los programas de titulación enteros en la educación de la música en línea desarrollada en la primera década del siglo veintiuno en varias instituciones y los campos de pedagogía de la música mundial y pedagogía de la música popular también han visto la extensión notable.

Estándares y evaluación

Los estándares son declaraciones curriculares usadas para dirigir a educadores en la determinación de objetivos para su enseñanza. El uso de estándares se hizo una práctica común en muchas naciones durante el 20mo siglo. Para la mayor parte de su existencia, el plan de estudios para la educación de la música en los Estados Unidos se determinó en la localidad o por profesores individuales. En décadas recientes hubo un movimiento significativo hacia la adopción de estándares regionales y/o nacionales., creó nueve estándares contentos voluntarios, llamados los Estándares Nacionales para la Educación de la Música. Estos estándares piden:

  1. Canto, solo y con otros, un repertorio variado de la música.
  2. Funcionando en instrumentos, solos y con otros, un repertorio variado de la música.
  3. Improvisando melodías, variaciones y acompañamientos.
  4. La composición y el arreglo de música dentro de pautas especificadas.
  5. La lectura y notar música.
  6. Escuchar, analizando y describiendo la música.
  7. La evaluación de representaciones de la música y la música.
  8. Entendiendo relaciones entre la música, las otras artes y disciplinas fuera de las artes.
  9. El entendimiento de música con relación a historia y cultura.

Muchos estados y los distritos escolares han adoptado sus propios estándares para la educación de la música.

Estado de Washington ha pilotado un aula evaluación de rendimiento basada que requiere que los estudiantes del grado 5tos y más altos para formar la música de un personal y vista canten de las partituras sin la ayuda de instrumentos. Se diseña para tasar estándares esperados ser alcanzados por todos los estudiantes. La vista cantar es un requisito de aprendizaje en el estado en el 8vo nivel de estudios. Otros estados evalúan evaluaciones de rendimiento posibles también.

Integración con otros sujetos

Algunas escuelas y las organizaciones promueven la integración de clases de artes, como la música, con otros sujetos, como matemáticas, ciencia o inglés. Se cree que integrando los planes de estudios diferentes ayudará a cada uno sujeto de construir lejos el uno del otro, realzando la calidad total de la educación. La educación de la música puede desempeñar un papel vital en el desarrollo del niño entero y su viaje escolástico.

Un ejemplo es el programa "Changing Education Through the Arts" del Centro Kennedy. CETA define la integración de artes como el descubrimiento de una conexión (ones) natural entre uno o varios medios de expresión artística (baile, drama/teatro, música, artes visuales, storytelling, puppetry, y/o escritura creativa) y una o varias otras áreas curriculares (ciencia, estudios sociales, artes de la lengua inglesas, matemáticas y otros) a fin de enseñar y tasar objetivos tanto en el medio de expresión artística como en la otra especialidad. Esto permite una atención simultánea a creación, realización y/o responder a las artes dirigiéndose todavía al contenido en otras especialidades.

El Aprendizaje de Maestros es una compañía cuyo objetivo es crear nuevos trabajos musicales interdisciplinarios y materiales educativos que exploran conexiones entre la música y ciencia, literatura, artes visuales, historia natural y cuestiones de la conciencia social. Fue fundado por Julian Fifer y el compositor Bruce Adolphe. Los trabajos educativos interdisciplinarios notables que han creado en la colaboración con escritores y científicos incluyen "a Tyrannosaurus Sue: Un Concierto Cretáceo" (para el Museo de Campaña de Historia natural, Chicago), "Perros rojos y Cielos Rosados: Una Celebración Musical de Paul Gauguin" (junto con una exposición en el Museo Metropolitano del Arte, Nueva York), "Mí Viene a la mente" (creado con Antonio Damasio neuroscientist, premiered por Yo-Yo Ma en el Museo americano de la Historia natural, Nueva York), "Dejan la Libertad Cantar: la historia de Marian Anderson" (con el escritor Carolivia Herron, premiered por Washington Ópera Nacional), "Zephyronia" (con la escritora Louise Gikow, para los Vientos Imani), y "Brujas, Magos, Ortografía y Elfos: La Magia de Shakespeare" (para los Músicos de la Cámara de Chicago y el Chicago Teatro de Shakespeare).

El Aprendizaje de toda la Vida de la Unión Europea del Programa 2007-2013 ha financiado tres proyectos que usan la música para apoyar el aprendizaje de la lengua. Arrullos de Europa (para principiantes preescolares y tempranos), FolkDC (para primaria), y PopuLLar reciente (para secundario)

Significado de educación de la música

Según la Asociación de Educadores de la Música de Florida, “La música y las Bellas artes han sido una parte significativa del sistema educativo de cada cultura durante más de 3,000 años. Se ha mostrado que el cerebro humano es "integrado" para la música; hay una base biológica para la música que es una parte importante de la experiencia humana. La música y las Artes rodean la vida cotidiana en nuestra cultura actual. La mayor parte de artistas actuales, los arquitectos y los músicos adquirieron sus intereses durante la escuela pública clases de Bellas artes... La educación sin las Bellas artes es fundamentalmente empobrecida y posteriormente lleva a una sociedad empobrecida.”

Guillermo Earhart, el ex-presidente de los Educadores de la Música Conferencia Nacional, “La música realza el conocimiento en las áreas de matemáticas, ciencia, geografía, historia, idioma extranjero, educación física y formación profesional." La música no sólo inspira la creatividad y el rendimiento, pero el aprovechamiento académico sobre todos seriamente se afecta. Un estudio de investigación producido por Harris Poll ha mostrado que 9 de 10 individuos con niveles del graduado postales participó en la educación de la música. El Informe Nacional de interesados de prueba SENTADOS estudia a estudiantes indicados con la experiencia de rendimiento de la música marcada más alto en el SENTADO: 57 puntos más alto en verbal y 41 puntos más alto en matemáticas. Las escuelas que tienen el aprovechamiento académico alto en los EE.UU gastan el 20 a 30% de su presupuesto en las artes con el énfasis en la educación de la música.

La educación de la música también aumenta el éxito de alguien en la sociedad. En cada cultura humana la música se completa para sus ideas e ideales. El valor de la música forma capacidades individuales y el carácter comienza a la Comisión de Texas developThe de Medicinas y el Informe de Abuso del alcohol notó que los estudiantes que participaron en grupo u orquesta relataron que el uso de toda la vida y corriente más bajo de todas las sustancias incluyó alcohol, tabaco, y alcohol drugs.included ilícito, tabaco y medicinas ilícitas.

Una educación en la música también aumenta la actividad cerebral total. La investigación hecha en la universidad de Wisconsin ha indicado que los estudiantes con la experiencia del teclado o el piano funcionaron 34% más alto en pruebas que miden la actividad del lóbulo espacial y temporal, que es la parte del cerebro que se usa haciendo matemáticas, ciencia e ingeniería.

La música también mejora el aprendizaje. Expresamente, la música ayuda en la memoria del texto. Wallace (1994) estudió el texto que se pone a una melodía. Un experimento creó una tres canción del verso con una melodía no reiterativa; cada verso tenía la música diferente. Un segundo experimento creó una tres canción del verso con una melodía reiterativa; cada verso tenía exactamente la misma música. Otro experimento estudió la memoria del texto sin la música. La música reiterativa produjo la cantidad más alta de la memoria del texto; por lo tanto, la música sirve de un dispositivo mnemónico. Smith (1985) estudió la música de fondo con listas de palabras. Un experimento implicó memorizar una lista de palabras con la música de fondo; los participantes recordaron las palabras 48 horas más tarde. Otro experimento implicó memorizar una lista de palabras sin la música de fondo; los participantes también recordaron las palabras 48 horas más tarde. Los participantes que memorizaron listas de palabras con la música de fondo recordaron más palabras que demuestran que la música proporciona señales contextuales.

Es

importante notar que "Mientras los estudios muestran influencias positivas en otras áreas académicas, la música y las Bellas artes son una disciplina académica que son, como los otros académicos, un modo independiente de aprender y saber." Lamentablemente, música en nuestras escuelas se están cortando a un precio drástico debido a recortes presupuestarios forzados sobre las escuelas. El Superintendente del Ayudante para Plan de estudios e Instrucción con Escuelas públicas Chesapeake en Chesapeake, Virginia, el doctor Patricia Powers declara, “Es bastante habitual ver reducciones del programa en el área de la música y artes cuando las cuestiones económicas emergen. En efecto es inoportuno perder el apoyo en este área sobre todo desde la música y los programas de arte contribuyen a la sociedad de muchos modos positivos.” Lo que algunos consejos escolares no saben es que el recorte de la música podría hacer que calificaciones de las pruebas vencieran al efecto positivo en todo de académicos a ciudadanía y hasta higiene personal.

La música hace al estudiante más afortunado en la escuela. Las habilidades aprendidas a través de la disciplina de la música, trasládese para estudiar habilidades, habilidades de comunicación y habilidades cognoscitivas útiles en cada parte del plan de estudios escolar. También hace a estudiantes hacerse afortunados es la participación en conjuntos. Esto ayuda a estudiantes a aprender a trabajar con eficacia en el ambiente escolar y reduce en el recurso al comportamiento violento o inadecuado.

La música también ha encontrado para ayudar a estudiantes con la inteligencia en vías de desarrollo. Los estudios han encontrado que alguna medida de la inteligencia de un niño en efecto se aumenta con la instrucción de la música. Lo que es nuevo sin embargo, es una combinación de estudios behaviorísticos fuertemente controlados e investigación neurológica groundbreaking que muestran cómo el estudio de la música puede contribuir activamente al desarrollo cerebral. Los investigadores en la universidad de Montreal usaron varias técnicas de representación cerebrales para investigar la actividad cerebral durante tareas musicales y encontraron que la lectura sin preparación tanteos musicales y música que toca ambos activa regiones en todos los cuatro de los lóbulos de la corteza; y esto se separa del cerebelo también se activan durante aquellas tareas.

Otros estudios muestran que la música también ayuda con el razonamiento. La música hace a estudiantes mejores principiantes, mejores pensadores y la sólo mejor gente. Justo como la cotización dice que “no hay ningún niño mejor que un niño del grupo.”

Defensa de la música

En algunas comunidades - y hasta sistemas educativos nacionales enteros - la música se proporciona poco apoyo como una especialidad académica, y los profesores de la música sienten que deben buscar activamente el mayor endoso público de la educación de la música como un sujeto legítimo del estudio. Esto percibió que la necesidad de cambiar la opinión pública ha causado el desarrollo de una variedad de enfoques comúnmente llamados "defensa de la música". La defensa de la música viene a muchas formas, algunas de las cuales están basadas en argumentos de estudiante legítimos y conclusiones científicas, mientras otros ejemplos confían en datos poco convincentes y permanecen bastante polémicos.

Entre los proyectos de la defensa de la música prominentes más recientes que se han hecho el sujeto de la controversia extendida son el "Efecto de Mozart" (que extensamente se cree ahora estar basado en mala interpretación y exageración), el Proyecto del Himno nacional, y el movimiento se refirió como a la Diversidad cultural en la Educación de la Música que busca medios de la pedagogía equitativa a través de estudiantes sin tener en cuenta su raza, pertenencia étnica o circunstancia socioeconómica. Aunque el “Efecto de Mozart” sea una controversia tiene un poco de significado en la prueba que es confiable. La prueba tiene dos, un grupo que hace enseñar la música y un grupo sin la música enseñada. Cuando dieron esta prueba a los de tres años su prueba temporal mejoró en el 35% sobre aquellos sin la música; esto duró durante varios días. El único defecto a esta prueba es las categorías de edad diferentes, el más viejo es menos del efecto que tendrá en usted.

Muchos eruditos de la música contemporáneos afirman que la defensa de la música sólo será realmente eficaz cuando basado en argumentos empíricamente sanos que superan motivaciones políticas y órdenes del día personales. Esta posición en cuanto a la defensa de la música ha sido sobre todo avanzada por filósofos de la educación de la música (como Bennett Reimer, Estelle Jorgensen, David J. Elliott, John Paynter y Keith Swanwick,), aún un hueco permanece entre el discurso de la filosofía de la educación de la música y las prácticas actuales de profesores de la música y ejecutivos de la organización de la música.

Educadores de la música influyentes

Organizaciones profesionales

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Véase también

Bibliografía

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